Category: Música

6 julio, 2023
Camila Díaz y Ana María Vahos 

“En el tiempo que llevo recorriendo este camino de cantautora, he advertido que hay varias rutas. Lo más importante es no olvidar que somos libres de trazar esas rutas”; “Quiero seguir componiendo y haciendo música hasta que tenga canas. En este momento mi mayor reto es hacer de este oficio algo sostenible”; “De nuestra generación advierto una necesidad de hablar sobre lo que no se nos permite hablar, de expresar lo que se siente, y sí, claro, la tristeza y la nostalgia son algunos de estos sentires. Convertirlos en arte es también un acto político”; “¡Los amigos! Mis amigos, que también han sido mis maestros, son muy importantes porque con ellos he podido mantenerme en pie”: Ana María Vahos y Camila Díaz.

 

Por Juan Guillermo Soto M.

 

A unos cuantos días del concierto Voces Cándidas, el cual reunirá en Neiva a los cantautores Felipe Dussán y San Pedro Bonfim, y a las cantautoras Camila Díaz y Ana María Vahos, hablamos con estas últimas sobre sus carreras musicales, la relación que hay entre la música y la literatura en sus procesos creativos, la tristeza como una marca generacional aderezada por un contexto cultural y social violento, la relación que tienen con sus territorios y la forma en la que estos permean sus obras, entre otros aspectos.

Todo esto puede cobrar gran importancia para las personas que buscamos un poco de comprensión, abrazo y liberación en el arte, pues si bien la obra nos otorga mucho de ello, conocer algo de las motivaciones, azares y certezas de los creadores nos puede alumbrar, con la luz abstracta del lenguaje sonoro, otros ángulos sobre lo que implica existir en Neiva, en Medellín, en Colombia, en este mundo.

Ana María Vahos es una cantautora nacida en San Pedro de Los Milagros, Antioquia. Publicó dos EP: Ananá, primer balbuceo, y, Amor profundo. En el año 2022 publicó su álbum Los días, con el sello discográfico incorrecto. El año pasado vino por primera vez a Neiva; no dio dos conciertos: fueron dos rituales de abrazonoroacústicolectivismo.

Camila Díaz nació en Gigante (Huila). Desde niña ha estado rodeada de un ambiente musical; su madre tiene una agrupación de música tropical llamada Luna Roja, de la cual hizo parte, al igual que del grupo de música tradicional Tamas. También ha hecho parte de la agrupación Felipe y Los Planetas, y, Pechan Project. Recientemente sacó su primer sencillo llamado Refugios (para los huracanes), y trabaja en la producción su primer álbum llamado Surreal. Ha bebido del folclor, del rock, de la danza, de las violencias, de la tristeza cuando “este mundo te dirá que siempre es mejor mirar a la pared”, pero también de la juntanza femenina, la organización política, del amor y del “ahí vamos, parce”. 

A continuación, algunas de los interrogantes e inquietudes que animaron nuestra conversación:

 

Juan Guillermo: Si bien compusiste tu primera canción por allá en el año 2009, solo hasta el año 2018 decidiste grabar. Entre esas dos fechas hay 10 años de mucha exploración y aprendizaje musical. ¿En qué momento tomas la decisión de ser cantautora y de asumir esto como proyecto de vida?

Ana María: Yo pienso que es un constante reafirmarse, porque yo puedo en cualquier momento parar y dejar de hacerlo, pero en este momento mi energía está enfocada a seguir cantando hasta que el cuerpo me lo permita.

Para mí han sido muy importantes mis amigos, porque con ellos he podido mantenerme de pie, gestionar, hacer giras. Fui encontrando en el camino amigos, también cantautores, que han sido un apoyo fundamental. De esas juntanzas destaco una presentación en un festival de cantautores en Panamá, en el 2015; fui con mi amigo y cantautor Daniel Gutiérrez; llegar allá no fue nada fácil pero lo hicimos. Yo regresé muy emocionada y reafirmada en este oficio. Esas cosas se dan en la medida en la que me he juntado con amigos. Juntos es mucho más poderoso.

Camila Díaz: yo emprendo ese camino en el año 2020. Mi punto de partida es la grabación del tema Refugios. Felipe Quién me ayuda con la producción. Duramos tres años en ello (sí, es que tanto Felipe como yo somos muy perfeccionistas). Claro, en esos años ya tuve la oportunidad de participar en diferentes proyectos musicales, pero además empecé a arriesgarme a tocar sola en diferentes eventos culturales a los que me invitaban, fuera en la universidad, en un café, en el marco del paro nacional… pero cuando se publica Refugios, siento que ya me he lanzado al ruedo y empiezo a pensar en todos los pasos siguientes: trabajo gráfico, conceptual, redes, presentar el tema pero seguir trabajando en la creación de otros, invitar a amigos músicos…

 

J.G: cuando hablas de esas juntanzas entre amigos, piensa uno en la existencia de una escena de cantautores en Medellín…

A. M: la construimos, claro, casi que desde cero. De hecho, en el curso de todos estos años juntándome con Dani y otros artistas, empezaron a aparecer personas diciendo: hey, yo también hago canciones…Claro, había unas generaciones arriba, solo que no nos habíamos integrado a ellas: Pala, Alejo García, Esteban Gira, ellos tienen más o menos como treinta y punta de años, yo tengo 29; y ahora se suman los cantautores que vienen, chicos de 20 años que están componiendo y tocando sus canciones en la guitarra. Esta es una escena que se ha construido tocando y escuchando al otro, los círculos abiertos, rotarnos la guitarra y descubrir quiénes somos los que estamos aquí componiendo; también es una posibilidad de que alguien llegue con una canción increíble. Actualmente, en Medellín, te puedo mencionar por lo menos 20 proyectos de cantautoría.

 

C. D: Mis referentes más cercanos, en Neiva, son agrupaciones como Yijajay, Modo Perris, Binarius Buxus, son agrupaciones de muchos años atrás. En Neiva la escena siempre ha sido muy metalera y punkera, yo me identifico más con las bandas que te menciono y, hoy en día, con las que siguen trabajando en un proyecto propio, como Pechan Project, Felipe y los Planetas. Proyectos de cantautores, en Neiva, son pocos, y con el que más he tenido cercanía es con el de Felipe Dussán.

 

J.G: Ambas me han mencionado algo importante y es la relación entre la poesía con su música. ¿Cómo son sus procesos creativos en el marco de estos dos lenguajes?

A. M: A mí me gusta mucho leer poesía. Tengo mis favoritos: Fernando Pessoa, Dulce María Loynaz, Pizarnik, Eduardo Galeano, también autores locales como por ejemplo Gonzalo Arango, Fernando Gonzáles. Leer es como escuchar. Yo pienso que hay que escuchar y leer mucho para uno poder escribir y cantar. Por otro lado, uno tiene que vivir para también tener cosas que decir respecto a lo que vive. Como lo que yo hago es algo tan íntimo y personal, no tengo estructuras y métodos para componer una canción, sino que todo el tiempo me estoy ahondando, revisando, escribiendo lo que pienso. No voy a cantar algo con lo que no esté conectada y pues para poder estar conectada debo estarme revisando. También dibujo. La música también está llena de imágenes, entonces dibujar puede aportar mucho a la creación de un disco. Otra cosa: yo soy muy respetuosa de la escritura, me gusta tildar, poner comas, puntos, siento que esos detalles también hacen, o son, la música. 

C. D: No tuve una relación tan fuerte con la poesía en un inicio, porque sentí que llegué a una poesía muy genérica. Pero más adelante, algunos autores como Cortázar y Jattin, me enseñaron sus mundos literarios, mundos más frescos y cotidianos con los que me enganché más. Aunque de Jattin debo decir que su poesía puede llegar a ser muy oscura, por lo que puede ensimismarme mucho; con esas influencias a veces termina uno hablando mucho desde el “yo”, “yo”, “yo”; luego entendí que también podía hablar desde mí, pero reflejándome en el otro. En este proceso, tener un contexto político fue muy importante para mí.

 

J. G: Al escuchar la música de ambas, siento una atmósfera de mucha nostalgia. ¿Creen que esta atraviese de manera transversal toda su música?

A. M: Pienso que nosotres tenemos un desencanto con la realidad, pues esta es muy compleja, en particular la de este país. Nuestro país es re paila, y tener eso como telón de fondo todo el tiempo hace que mucho de lo que acontece se vea reflejado en nuestra música, como una forma de tramitar esas emociones. También creo que todes tenemos unas heridas por sanar y por supuesto eso es doloroso, entonces quienes nos fijamos en ellas, a veces solemos darles trámite a través de la obra.

C. D: De nuestra generación advierto una necesidad de hablar sobre lo que no se nos permite hablar, de expresar lo que se siente, y sí, claro, la tristeza y la nostalgia son algunos de estos sentires. Convertirlos en arte es, para mí, un acto político.

 

J. G: ¿Cómo describirían su propia música?

A. M: Pues yo no sabía, pero a través del otro he escuchado palabras como: dulzura, abrazo, profundidad. También me he dado cuenta que un concierto en vivo, mío, es como un espacio emocional muy potente; los llevo a un interior, entonces yo siento que mis canciones son emocionales, íntimas; procuro también, en la medida en la que estoy siendo consciente del dolor, abrazar. Abrazar con mi música y que esta acompañe la existencia.

C. D: Cuando pienso en mí música, la palabra clave es “confrontación”. La música me ha ayudado a mutar y a tramitar cosas muy traumáticas que me han pasado en la vida. En ese sentido, en la construcción de este álbum que se llama “Surreal”, cuento un poco mi experiencia con haberlo perdido todo por ser desplazada por la violencia. En este ejercicio creativo advierto entonces una confrontación constante con lo que una siente y cómo una actúa.

 

J. G: ¿Qué expectativas tienen para el concierto de este fin de semana?

C. D: Considerando que es la primera vez que logramos tejer red con un artista internacional, conservo el interés de que en la ciudad podamos acceder a artistas que hacen parte de la escena independiente y que el resultado permita reflejar una forma de hacer gestión, tanto para los artistas y gestores como para el público, que puedan tener la experiencia de ver este lado del arte, un lado que es remunerado y digno. Siento que este evento es el inicio de una nueva temporada de cosas en Neiva.

A. M: Espero que sea un encuentro valioso para todes, que sea un compartir, que podamos escucharnos, crecer, porque es desde la juntanza que la música independiente, y la cantautoría, puedan crecer y empezar a tejerse fuertemente. También espero que el público neivano pueda disfrutar de nuestra música, que sea un momento muy agradable para cada uno de nosotros.

 

Pósters del concierto:

 

 

 

13 mayo, 2023

Hablamos con Venus Blues, cantautora, compositora e intérprete colombiana nacida en el municipio de Neiva – Huila. El lanzamiento de su primer EP es una descarga de rock and blues que marca un hito fundamental en la música del sur de Colombia.

 

Por Serafín Marquín Gaviria 

@serafiniano

 

En medio de una nube de melodías y copadas de sentimientos se van degustando los temas de Venus Blues Rivera Perdomo, como es su nombre completo. A veces termina uno sentado en la mesa de un bar de otro tiempo jugando a las miradas, mientras un trompetista brilla en el escenario, y un pianista rinde homenaje a una madre.

El Jazz, blues, rock, tango, bolero, folclor hicieron la carretera por la que esta joven mujer avanza con su guitarra hacia un futuro promisorio. Una ruta llena de retos que la forjan cada día en su propósito de cantar y crear música sobre la vida.

Venus

Nacida en el seno de la academia musical, esta artista huilense recrea la fuerza de la mujer hecha música.

“Tuve el privilegio de estudiar en el Conservatorio de Música y Canto del Huila, cuatro años antes de empezar a estudiar pertenecí a un grupo coral de ópera llamado ´Arte y Ópera para todos´. Ahí empecé a descubrir y dar esos primeros pasos en la música y en el canto”, cuenta Venus.

Contagiada por la música colombiana desde sus días de colegio, empezó a construir su destreza como cantante. A través de sonidos folclóricos, orgánicos, propios de las canciones de artistas como Jorge Villamil Cordobés fue descubriendo capacidades vocales y el rol de las músicas en su proyecto de vida. Con la guía de maestros como el docente Jaime Ricardo Guido, se sumergió en boleros y tangos.

Pronto, Cesária Évora, Omara Portuondo, Julio Jaramillo, Gardel se hicieron parte de su playlist, una amalgama de tonalidades musicales y sonoras de las que no ha dejado de aprender.

 

Blues

Las guitarras melódicas, los riffs potentes y las letras profundas la acercaron desde la preadolescencia al rock and roll. Un mundo de clásicos brota de su memoria al interrogarle sobre influencias. Una potente identidad de la que hace gala en el escenario.

“A través de Etta James, Big Mama Thortnon, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Janis Joplin, The Beatle, The doors, Queen, Metallica, Megadeth, Diablo Swing Orchesta, una mezcla de lo alternativo y lírico, fui buscando la identidad vocal”, afirma Venus Blues.

Llegaría el momento de crear, esa necesidad de expresar vivencias y sentimientos a través de acordes musicales. Un proceso dinámico que daría origen a ´Efímero´, su primer EP.

“Cada proceso de composición es distinto, depende mucho de la inspiración, del momento, de lo que tú quieras transmitir. Todas las canciones las compuse de una manera diferente, una de ellas empezó siendo una tarareada. Cabernet, la compuse en un momento que estaba bebiendo vino, ya podrás imaginar el lío de volver a hacer lo mismo porque no estaba en el mismo momento, es un espacio de inspiración completa”, narra la artista huilense.

Efímero

Con una introducción marcada por el jazz, Venus Blues recorre la letra con una versátil voz que guía una potente guitarra. El tema le da el nombre al primer EP que recoge las vivencias, experiencias y capacidad musical de la artista, forjada en su interacción con diversas regiones de Colombia.

“Estuve en Neiva hasta los 19 años. En la subregión de Urabá mi carrera se empezó a desarrollar. Viví 5 años en Apartadó, en ese tiempo tuve la oportunidad de estar en varias zonas costeras, como Montería, Santa Marta, Barranquilla, Carepa, Chigorodó, San Juan”, sostiene la cantante.

A su regreso a Neiva se convirtió legalmente en Venus Blues (Rivera Perdomo). Luego de su primer show en la tierra que la vio crecer, la música la llevó a presentarse en escenarios de la capital del país, Bogotá D.C., y recorrer el departamento del Huila, cantando en recintos de Garzón, Pitalito y Gigante.

Venus Blues es hoy una combinación de riqueza cultural y folclor del país que suena en las diversas plataformas musicales. A través de sus canciones se expresa el compromiso con la creación artística y la destreza del trabajo en equipo. Los temas fueron grabados gracias al impulso de personas cercanas a la artista como el guitarrista Johan Cardona, un sinnúmero de músicos en estudio, los arreglos musicales de Kevin Velázquez, Juan Guillermo Soto y Carlos Marín, la producción de Ezequiel Morfi Read en Buenos Aires, Argentina, y la producción audiovisual de Juan Sebastián Bonilla.

“Yo llegué a Neiva con la decisión de grabar mi música en un año. Soy la prueba de que lo que uno se propone lo logra; significa tener una meta, gestionar recursos, un compromiso grande con el proyecto. Si no hubiese tenido personas que se interesaran en mi proyecto, no lo hubiese logrado”, enfatiza Venus Blues.

Viviendo un sueño

Y de pronto en medio de la melodía que amenizan guitarras, bajo, trompeta, saxofón, aparece la voz y puesta en escena de Venus Blues. Un show tenue que se torna potente en su musicalidad. A través de la interpretación de su música, la compositora comparte con honestidad y respeto su arte ante el público.

El 24 de marzo, fue estrenado ´Efímero´ compuesto por cinco sencillos de su autoría: “Efímero”, “Cabernet”, “Yo, Cobarde”, “Somos nada”, y, “Lucero”

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“Yo estoy muy feliz, aún con lo complicado que ha sido todo, tener un reconocimiento como artista es muy bonito, estar en un escenario y que la gente vaya a tus eventos”, finaliza Venus Blues, una artista que Altera con nuevas historias…musicales.

 

Fotografías suministradas por Venus Blues
27 octubre, 2022

La banda que por segunda vez estará en el Estéreo Picnic, llegó a Neiva para cerrar la versión 17 del Festival de Cine Cinexcusa. Nos refugiamos en La Madriguera para dialogar sobre la atmósfera de la agrupación, sus letras y la vida misma.

 

Por Serafín Marquín

@Serafiniano

 

En el balcón de la Casa Cultural La Madriguera Santiago García (voz) observa la calle e intercambia algunas palabras con Daniela Manrique (periodista). Sobre el sofá se encuentra Nicolás Correa (Guitarra líder) observando el draibol de madera como si viera desaparecer el humo de algún cigarrillo. Juan Carlos Sánchez (Batería) y Luis Felipe Torres (bajo) no están en el lugar.

Una flota trajo a Nicolás y los Fumadores a Neiva en un día lluvioso, de esos en los que no hay agua, ánimos, amor para el arrunchis y afloran más las ganas de fumar.

La charla fluye entre silencios y sorbos de pola, no hay agenda, tan solo notas mentales, interrogantes y palabras claves como Transmilenio, Call Center, hielo sin whiskey, peces inertes y notas de realidad que las melodías de Nicolás y Los Fumadores fácilmente implantan en la memoria de esa generación joven que se siente en sus álbumes y hasta se entera de la grandeza del indio Pastor López.

Entonces arrancamos.

 

¿Qué temas les inspira Neiva, qué notas, qué musicalidad?

Nicolás – Es nuestra primera vez, no hemos conocido mucho Neiva. Mañana tendremos el tiempo de darnos una impresión. Pero de momento tengo la sensación de que le faltan semáforos.

Santiago – En este camello las versiones que uno se lleva de las ciudades, son las impresiones que uno obtiene de la audiencia. Hasta que no lleguemos a ese momento no hay mucho que decir.

 

¿Llegar en Flota a Neiva es mejor o peor que andar en Transmilenio?

Nicolás: Son mejores ocho horas en una flota, en Transmilenio uno no se puede quedar dormido porque lo empelotan.

 

¿Cómo surge la oportunidad de estar aquí (Neiva)?

Santiago – Hubo un contacto con la gente que trabaja en esta casa (La Madriguera), luego nos contactaron del Festival Cinexcusa para la clausura. Era una ciudad en la que nunca habíamos estado, además, un festival de cine con mucha trayectoria.

Nicolás – Todas las condiciones eran optimas. Cuando nos dijeron que era la clausura de un Festival que lleva 17 años, y se combinaba con que es una ciudad a la que no habíamos venido antes, entonces dijimos hágale, de una, de cabeza.

Ha estado muy chévere, la gente es super querida.

 

Se trata de la versión 17 del Cinexcusa cuyo tema central son los jóvenes, como banda que explora la vida misma, ¿qué tienen para decirles?

Santiago – Desde el primer disco inconscientemente empezamos a hacer un ejercicio exploración de nuestros sentimientos más oscuros desde un punto de vista más o menos humorístico. Eso nos ayudó mucho a salir de las depresiones que como jóvenes tenemos. Nos dimos cuenta que por muy oscura que sea la vida, sigue siendo muy chistosa.

Nicolás – En el primer disco, ´Como pez en el hielo´, algo que caló mucho en la audiencia fue que se tocaban temas muy comunes que nosotros pensábamos que eran experiencias propias. Había mucha gente que al final se nos acercaba y manifestaba su agradecimiento por escribir y cantar sobre estos asuntos; les ayudaba a pilotear esas tristezas. 

Es chévere llegar a ese público y decirles que no están solos, que nosotros también cantamos por ese tipo de vainas que suelen pasar, que por más superficial que pueda llegar a ser la anécdota hay algo más profundo.

 

 

El show, ¿cómo se lo han pensado, qué puesta en escena tienen planeada?

Santiago – Nosotros no tenemos nada muy estrafalario, somos solo los cuatro tocando. Yo como cantante trato de transmitir eso que estoy diciendo. Esa es mi misión en la banda. La gente ha agradecido ese ejercicio que todos hacemos, de eso se trata la puesta en escena: comunicar la emoción que trae la canción sin elementos externos.

 

En Argentina en algún momento hubo opiniones sobre la nueva tendencia de la música con bandas como El Mató a un Policía Motorizado, pues la música venia de un momento muy político, contestario, y de alguna manera, en algunos casos, surgieron letras muy ligeras, para algunos simples. ¿Qué piensan de esta cuestión, este asunto de las letras?

Santiago- El primer disco fue un ejercicio casi accidental. Con el nombre de cada maqueta hicimos una letra. El ejercicio era tratar de hacernos reír el uno al otro, hasta que encontrábamos algo que quedaba, todas son letras ligeras, excepto, quizás, ´Corintios´, que fue la última letra que hicimos del disco, un poco más pensada.

 

Nicolás – ´Me quiero ir´, me parece que es otra letra que abre las puertas de lo que llega a ser luego ´Dios y La Mata de Lulo´ (segundo disco). Se siente una insatisfacción en ese personaje y su experiencia de vida en un lugar particular.

 

Ya en el segundo disco se juntaron muchas cosas, muchos sentimientos, frustraciones, la pandemia, ahí ya se sentía la necesidad de hablar de cosas mas graves, igual nunca intentamos forzar nada, somos muy conscientes de nuestras posiciones, de que, si bien nos afectan los temas alrededor nuestro, no somos puntualmente la victima de lo que está pasando, lo vemos desde unos ojos distantes.

 

´El Sol´, primera canción de ´Dios y la Mata de Luto´, evoca unas sensaciones de ser más consciente del entorno. En otra canción como ´La Fe´ ya es más explicito el mensaje, hay momentos en que como jóvenes, como generación se empieza a perder la esperanza y lo único que nos queda es tener fe en que las cosas pueden llegar a cambiar, recurrir a la memoria, al ser consciente de lo que está pasando.

 

 

En una entrevista manifestaron que hacen rocksito, pero en su música hay una atmósfera predominándote más allá de la voz y las letras, ya que estamos viviendo en Neiva un festival de cine, ¿si fueran una película, qué género sería?

Nicolás- yo creo que vendríamos siendo varios géneros, desde la comedia romántica hasta el cine de autor. Creo que es algo chévere que ha pasado con la banda, no nos encasillamos en un género sino que recurrimos a nuestras influencias; somos cuatro personas en el proceso de composición, entonces nuestras influencias llegan a juntarse en un lugar diferente cada vez. Si la pregunta fuera sobre un género cinematográfico, sería muy ambiguo. 

Santiago – Podríamos compararnos con algún director como Scorsese. También es algo más Tarantino, quizás, no es difícil de escuchar, pero hay algo un poco más elevado, de pronto una película de Marvel. 

Nicolás – El man que estudió cine no está acá. Jajaja.

 

Hacer música a partir de vivencias personales y vitales y llegar al Estéreo Picnic, ¿qué reflexión hicieron de este acontecimiento y de qué manera le dio fuerza al proyecto?

Fue muy trascendental para nosotros. Es quizás la tarima más importante del país. Fue significativo darnos cuenta que la industria musical pesada de este país, de repente, fijo los ojos en nosotros y otros proyectos similares.

Siento que aquí está pasando algo, hay un movimiento, una audiencia que sigue esta banda. Y se vio en el Estéreo Picnic 2019, había gente que nos escuchaba, cantaba, había letreritos y hasta un man que se hizo su propia camiseta.

El Festival nos dio un impulso, un momentum, y lo supimos aprovechar muy bien haciendo una gira inmediatamente después, y ahí fue que el proyecto se consolidó.

 

El tema de los fumadores se ha vuelto una marca, el amor también está muy presente en la simbología de la banda (como esa tragedia cómica), trayendo a colación la canción de  Alice Cooper, Love’s A Loaded Gun, ¿el amor es un arma cargada o un cigarrillo bien taqueado?

Santiago – Es una buena comparación el amor con el cigarrillo, en muchos niveles. Es algo que lo acompaña a uno incondicionalmente…

Nicolás – pero que se puede acabar muy rápido.

Santiago – de una u otra forma hace daño, pero uno para qué vive si no es para…

Nicolás – hacerse daño.

Santiago – al mismo tiempo produce mucho placer.

Nicolás – Más que un arma cargada creería que es un cigarro bien taqueado. Un arma cargada me parece una imagen muy violenta y el amor no necesariamente debe tener esa connotación.

Igual un desamor se vive como un momento de no tener cigarros. Puede dar ansiedad en el momento, a uno le da malgenio no tener cigarrillos, pero eventualmente vuelven a ver cigarros. Un arma cargada es un momento violento y definitivo.

 

Bogotá está cargada de muchos símbolos, muchas generaciones la referencian con la obra de Chaparro Madiedo, Opio en las nubes: vivencias, crisis, la vida arreada, en ese sentido, las letras que están construyendo ¿qué significan? ¿Qué nos dicen de la Capital o de las capitales?

Nicolás – Yo no diría tanto que representamos a la Capital sino a una población específica: clase media, universitaria, que tiene beneficios, pero también falencias, etc.

Santiago – Nos hemos dado cuenta viajando por Colombia que todos hacemos parte de algo muy similar.

Hay una razón por la que en el segundo disco hablamos tanto del sol y la lluvia, Bogotá es así, la lluvia es violenta y cuando hace sol es re violento, y eso tienen un impacto, algunas metáforas que hay allí con el sol y la lluvia no existirían si viviéramos en Barranquilla, donde siempre hace sol.

 

¿Qué los altera? ¿Qué es eso que los mueve, conmueve?

Nicolás – No tener cigarrillos.

Santiago – A riesgo de sonar clichesudo, lo que más me altera y conmueve es el amor. Es siempre, de una u otra forma, el motor, no solo creativo, de la vida; y de ahí derivan un montón de emociones que van de la extrema ira, a la euforia más hijueputa.

 

Salen de Neiva, ¿hacia dónde van? ¿En qué anda la banda?

Estamos trabajando en un EP, la idea es sacarlo el próximo año, ojalá antes de Estéreo Picnic, pero seguro habrá un sencillo antes de eso. Esperamos volver a salir del país (la banda estuvo en México). Y esperamos tocar en Bogotá con una agrupación del exterior. Vamos a ver qué pasa, y pues bueno nos preparamos para regresar al Etéreo Picnic.

 

A agradecimientos a la banda, al Festival de Cine de Neiva Cinexcusa, la Red de Intercambio Musical Neiva (RICMN) y la Casa Cultural la Madriguera.

 

Fotografía tomada de facebook.com/nicolasylosfumadores

 

Toque

Día: jueves 27 de octubre 

Lugar: Auditorio Olga Tonny Vidales – Universidad Surcolombiana (USCO).

Hora: 7:00 p.m.

Aforo: 350 personas que porten la manilla del Cinexcusa, de venta en el stand del Festival en la USCO y El Patio. 

 

 

21 octubre, 2022

A las cinco de la tarde, como titula uno de los textos más conocidos del poeta, dramaturgo y prosista español, Federico García Lorca, se estrenó el nuevo sencillo del proyecto artístico Pechan Project  titulado ´Cometas´. Una nueva obra musical que nace en el sur con un puñado de talentos.

Nuevamente el líder de la apuesta musical Pechan Project, Juan Guillermo Soto, reúne un selecto grupo de artistas para crear una obra experimental cargada de significados:

  • Voces: Venus Blues, Stephanía Perdomo, Camila Díaz, Brenda Salazar, Felipe Dussán, Juan Guillermo Soto M.
  • Batería: Gustavo Hueje
  • Guitarra y bajo: Juan Guillermo Soto M.
  • Trompeta: Gustavo Martínez
  • Tuba: Ohser Vanegas
  • Mezclado y masterizado por Juan Sebastián Motta, en Ruido Sudaka Records.
  • Portada: Julián Espitia Alonso, Daniela Valderrama Pulido, Sara Espitia.

“¡El tema está una locura! (mi pequeña sinfonía, la llamo); ¡ya quiero que la escuchen!”, escribió en sus redes sociales el artista huilense más conocido como Pechan.

Compartimos el sencillo/complejo, como lo ha denominado el músico. Desde el lunes 24 de octubre ´Cometas´ estará en todas las plataformas de reproducción de audio.

 

Ah, y así arranca el texto de García Lorca:

“A las cinco de la tarde.
Eran las cinco en punto de la tarde.
Un niño trajo la blanca sábana
a las cinco de la tarde.
Una espuerta de cal ya prevenida
a las cinco de la tarde.
Lo demás era muerte y sólo muerte
a las cinco de la tarde.” 

Para leerlo completo AQUÍ

14 septiembre, 2022

El Ibagué Festival, un proyecto de la Fundación Salvi que inició en 2019, es el punto de encuentro de varias expresiones culturales de Colombia y el mundo con el objetivo de ofrecer un diálogo permanente entre culturas.

Entre el 15 y el 18 de septiembre de 2022 se llevará a cabo en Ibagué (Tolima) la tercera versión del Ibagué Festival: las músicas que somos, un evento en la capital musical de Colombia en el cual las músicas tradicionales, populares y académicas del país y del mundo se encuentran en un mismo escenario.

En esta ocasión, el eje temático “De frontera a frontera: Músicas del Archipiélago de San Andrés y de Nariño” celebra la pluralidad y la riqueza de las expresiones que nacen en las zonas limítrofes del país y que construyen identidad. Mientras que en las músicas del Archipiélago de San Andrés se encuentran rasgos de Europa y el Caribe antillano, en las músicas de Nariño son evidentes unos lazos culturales tanto con el Ecuador costero afrodescendiente como con el Ecuador andino indígena.

Entre los artistas representativos de las fronteras estarán Bejuco, agrupación de Tumaco que a los sonidos tradicionales de la Costa Pacífica articula ritmos urbanos como el afrobeat. También del suroccidente llegará Apalau, música de fusión con una íntima perspectiva andina. De San Andrés llegarán Raizal Crew, un grupo de jóvenes que mezclan kompas haitiano, soca y calipso; y de Providencia el cantautor Elkin Robinson, quien se ha constituido en un embajador de la música isleña. En esta oportunidad, el Ibagué Festival acogerá al colectivo samario músico-visual Systema Solar.

Además, el Ibagué Festival presentará propuestas de música académica, sinfónica y tradicional.

Entre estas propuestas se cuenta el estreno de una obra para Septeto de cámara comisionada al compositor antioqueño Andrés Posada. Así mismo, La Orquesta Sinfónica del Conservatorio del Tolima y la Orquesta Sinfónica de la Universidad del Tolima se integrarán para ofrecer un homenaje al gran violinista colombiano Carlos Villa, bajo la dirección de César Augusto Zambrano, Sergio Sánchez y Aurelio Zarrelli, con la actuación especial del destacado violonchelista colombiano Santiago Cañón Valencia.

 

Escenarios en la ciudad y en Villa Restrepo

Además de sus escenarios base (el Conservatorio del Tolima y su Sala Alberto Castilla y el Auditorio Mayor de la Música de la Universidad del Tolima), el Ibagué Festival también estará presente en el recién reinaugurado Complejo Cultural Panóptico y en Villa Restrepo.

El Ibagué Festival – Las Músicas que Somos es organizado por la Fundación Salvi en alianza con el Conservatorio del Tolima y con el apoyo de la Alcaldía de Ibagué, la Gobernación del Tolima y el Gobierno Nacional, además de agentes privados.

 

El compromiso con la formación

Además de ofrecer una programación artística diversa e incluyente, el Ibagué Festival presenta una agenda educativa que incluye clases magistrales con los artistas nacionales e internacionales del Festival, clínicas de lutería (construcción y reparación de instrumentos musicales), un programa de formación técnica en producción y un componente de formación de audiencias que se viene proyectando al departamento del Tolima.

También habrá conversatorios que permitirán reflexionar en torno a temas como la investigación, la creación musical, alternativas productivas en tiempos de pandemia y reconocimientos e intercambios entre diversos artistas y géneros.

 

Conozca la cuota local del Ibagué Festival

El Ibagué Festival es una ventana del talento local al país y al mundo. Es por eso que 87 de los 150 artistas que hacen parte del Festival representarán el vasto talento que se encuentra en la ciudad musical de Colombia.

Uno de los propósitos del Ibagué Festival es la valoración de manifestaciones locales que caracterizan su pluralidad creativa y expresiva. Es por esto que una gran variedad de músicos de Ibagué (académicos, populares, tradicionales) serán parte transversal de la programación.

En esta edición, la presencia de Lyda Aguas, Joa Tovar e Ibagué Soul Pijao y Paula Mulford; ejemplifica algunas de las líneas de la escena musical ibaguereña que en el proceso de creación de un lenguaje propio experimentan desde sus memorias y referentes con las grandes matrices sonoras internacionales del jazz, el rock, el rap, el pop, el reggae, entre otras; y su intrincada trama de subgéneros derivados.

Complementa esta muestra el trío Si me invitan, voy, que articula la tradición del solista instrumental con el ensamble de cuerda pulsada, que tan significativos aportes musicales ha hecho al desarrollo de las músicas en Colombia.

Adicional, músicos consagrados de la música académica también serán parte de la programación. Tal vez uno de los grandes hitos al respecto es la participación de la Orquesta Integrada del Conservatorio del Tolima y de la Universidad del Tolima junto al violonchelista Santiago Cañón Valencia y a los directores Aurelio Zarrelli (Italia), Sergio Sánchez y César Augusto Zambrano.

 

9 septiembre, 2022

Bandas locales de diversos géneros serán protagonistas en el naciente Festival Neiva Territorio Rock. La cuota nacional la encabeza Legend Maker y Aire Como Plomo, con 25 y 15 años de trayectoria, respectivamente, en la escena metalera nacional.

 

Por: Serafin Marquín

@Serafiniano 

 

El festival Neiva Territorio Rock es un evento musical incluyente de interés cultural para los jóvenes y adultos del surcolombiano, que busca fomentar la cultura musical en Neiva y el departamento del Huila con una programación del talento local, nacional y global, que se interese por este género y quieran participar en su realización una vez al año, durante más de 4 meses de actividades (circulación, formación de público, preparación de músicos).

 

Cultura rock y paz

Este festival se Institucionalizó con el Acuerdo número 016 del 17 de octubre de 2019 con la intensión de fortalecer la creación de espacios de integración cultural, uso sano del tiempo libre, la generación de la sana convivencia y la construcción de una cultura de paz territorial en la ciudad y el país. Por medio del emprendimiento en la gestión social empresarial y cultural en alianza del sector público y privado dirigida a la dinamización de la economía regional, para el fortalecimiento de la industria musical a partir de la música Rock como parte de una propuesta emergente y cualificación de los artistas de este género.

Pero más allá de un evento anual, el Festival pretende motivar procesos pedagógicos y recreación en los jóvenes por medio de la cultura del Rock en Neiva y el Huila permitiendo difundir este género musical, con respaldo e inclusión en procesos formativos y generación de empleo, desde los diferentes contextos en los que se producen estas manifestaciones artísticas.

Además, busca promover la profesionalización de los artistas de rock de Neiva y el Huila, por medio de bandas y proyectos de corte comercial enfocados a la audiencia del evento musical. Estimular la circulación artística por medio del intercambio y relaciones entre los integrantes de los distintos grupos musicales de la región, con diferentes festivales musicales de otras ciudades a nivel nacional (ruedas de negocios).

Todo un despliegue que se enmarca en el fomento de la cultura de paz, ciudadanía y tolerancia entre la población en general, generando la participación juvenil en la vida cultural y social del municipio de Neiva, el departamento y la región.

 

Neiva Territorio Rock 2022

En su primera versión, el Festival ha lanzado un cartel en el que destacan agrupaciones nacionales con amplio recorrido en la escena del rock and roll nacional y proyectos musicales locales con una gran puesta en escena.

Presentamos a los protagonistas del escenario este 10 de septiembre que, de manera gratuitamente, podrán disfrutar los asistentes al Parque de la Música Jorge Villamil Cordovez.

 

Legend Maker

Imagen tomada de Facebook de la banda

Banda caleña fundada en 1997 (hace 25 años) poderosamente influenciada por otras corrientes como el Power metal y el Progressive Metal. Entre su discografía se encuentra el disco The Path to Glory (1999), distribuido inicialmente en Alemania, EE. UU., España, Japón, y Brasil; y Lies Bleeding the Blind (2003), además, dos tributos, uno sobre la banda colombiana Kraken con “Después del Final” y el segundo a los británicos Iron Maiden con “The Evil That Men Do”.

En 2006 la agrupación hizo parte del festival “Monstruos del Rock Suramericano”, durante su gira nacional que se extendió a Ecuador y Perú. También fue protagonista en las versiones 2000 y 2009 del Festival Rock al Parque. Además, fue acreedora del reconocimiento Premio Subterránica en 2008 como ´Mejor Artista de Power Metal Nacional´.

 
Integrantes:

Luis Fernando Caballero (Teclados)

Santiago Mendoza (Guitarra eléctrica)

Álvaro Duque (Guitarra eléctrica)

Luis Sánchez (Batería)

Rodrigo Becerra (Bajo eléctrico)

Will Rivera (Voz)

 

Aire Como Plomo

Fotografía tomada de metallivecolombia.com

Agrupación bogotana formada en 2007 por músicos procedente de bandas como Ethereal, Injury, Tierradentro, Nonsense Premonition y Abismo. Su sonido combina crossover thrash, grindcore, prog rock con folclor y música urbana. En su discografía destacan el EP Demostración (2008), la participación en el compilado Odiamos el rock nacional (2011) y South American Killers (Audiocore) (2013). Han pisado el escenario de Rock al Parque en tres oportunidades. A.C.P. ha sido catalogada como la embajadora de la contra-cultura, por sus letras que derrumban barreras sociales y su pensamiento crítico, además, los destaca una propuesta audiovisual de vanguardia estilo lírico, basada en la realidad nacional ficcionada.

 

Integrantes:

Santiago Botero

Juan Franco

José Luis Jiménez

Miguel Jiménez

 

Rattus Rattus

Fotografía tomada de Facebook de la agrupación

Banda rola que explora el sonido delPunk-Rock a partir del Thrash Metal, el Post- Punk, el Rockabi. “Hace música que choca. Parecerá incorrecta para algunos, violenta para otros o divertida para unos cuantos. Lo importante es que nadie pasa inadvertido con el personaje central de esta banda bogotana, que no tiene problema en decir groserías, en señalar la hipocresía de la sociedad y en invitar a vivir sin arrodillarse”, reseñó Canal Trece en El Toque Extremo que realizó la agrupación. Su discografía está integrada por dos EP, RATTUS RATTUS (2016) y Conticinio (2021).

 

Integrantes:

La Rocka Pam (voz, teclados y vientos)

Paola Panizza (bajo y voz)

Jaison Umaña (guitarra y voz)

Gustavo Hueje (batería y voz).

 

Arkanot

Imagen suministrada por Arkanot

Es una banda con 22 años de trayectoria dedicada al género heavy Power metal, su música va desde baladas tipo románticas hasta ritmos acelerados con poderosas guitarras metaleras. Sus letras abarcan temáticas variadas como el amor, historias épicas, la tragedia y temas de actualidad social. El interés de sus integrantes es dejar un mensaje de optimismo y fuerza en el oyente o seguidor. Su discografía incluye el demo El Inicio, y dos Álbum: Entre el cielo y la tierra, y Origen y destino.

 

Integrantes:

Jiffer White (Voz)

Juan C Rodríguez (Guitarra)

Cristian Silva (Bajo)

Héctor Echeverry (Teclados)

Frank Moreno (Batería)

 

Ennui

Fotografía tomada de orbitarock.com

Agrupación de Grunge/Metal en español fundada en 2007. Sus temas se caracterizan por los sonidos fuertes y agresivos que hablan de la vida, la muerte, el amor y de diferentes condiciones mentales y emocionales como la depresión desde una perspectiva de empatía y resistencia.

En 2021 fue ganadora del premio Subterránica como Mejor Artista Rock. “Su show en vivo ha merecido nominaciones y menciones especiales por su energía, puesta en escena y contacto con la audiencia. 6 EPs y 2 álbumes publicados muestran el trabajo constante y con amor por el rock, desde su fundación en 2006”, reseña ennuibogota.com.

 

Integrantes:

Dave pacheco (Guitarra y voz)

Javier López (Batería)

Javo Rodríguez (Bajo)

 

Foreva

Fotografía suministrada por la agrupación

Banda colombiana nacida en Neiva en 2013, reconocida antes como BOURDELLE hasta el pasado 2018 por su fusión de pop con ritmos contemporáneos.

En 2016 aún como BOURDELLE, lanzó su primer trabajo discográfico, un EP de 3 canciones bautizado con el mismo nombre de la banda. Durante 2020 la banda hizo una renovación de su imagen, y ya como FOREVA lanzó recientemente al público sus nuevas canciones “Solo Quiero”, “Tutorial”, y “Me Voy”. Actualmente se encuentra en estudio grabando su próximo trabajo discográfico, su primer álbum de larga duración, que saldrá al público en el presente año 2022.

 

Integrantes:

 Mario Osorio (voz)

 Julio César Segura (Guitarra)

León Valderrama (Bajo).

 

A.C.M.E.

Caratula de trabajo discográfico de A.C.M.E.

Banda neivana creada en 2009 con el nombre Human Rotten, en 2010 asumen el nombre actual “AxCxMxE” sacado de una de las caricaturas más representativas de los 90s “La Hora Warner”, como símbolo de la música explosiva, fuerte, contundente, veloz y agresiva que presenta la agrupación al público amante de los sonidos extremos. En 2012 estrenaron los temas pachguerrrro y Embolacho. En 2018 lanzaron el EP “AxCxMxE”, formato cd-r y plataformas digitales. Durante 2019 presentaron M.D.M “Masiva Destrucción Mental”. En el año 2021 lanzaron su tercer álbum titulado “Penurias de Una Existencia”, y actualmente la agrupación se encuentra preparando su cuarto trabajo de estudio titulado “OPTOFOBIA”.

 

Integrantes:

Sebastián Charry Roa (voz principal)

Sergio Charry Roa (Guitarra y coros)

Juan Sebastian Cuchimba Parracin (batería)

 

Abduction

Portada trabajo discográfico de la agrupación 

Banda de thrash metal creada a finales del 2013 en Rivera Huila. Sus influencias musicales tienen origen en emblemáticos grupos de metal colombianos como Neurosis, Acutor, Kilcrops, Ursus, Ingrand y Masacre. Sus letras se enfocan en temáticas que afectan al sujeto como el escepticismo religioso y la inconformidad sobre el contexto sociopolítico colombiano. En 2019 lanzaron Juego de Sangre, presentado de manera física con el sello discográfico Viuda Negra en 2020.

 

Integrantes:

Jhon Gómez (voz y guitarra)

Andrés Polo (batería y coros)

Felipe Oliveros (Bajo)

Luis Molina (Guitarra Principal)

 

Sinefecto

Imagen suministrada por la banda

Es una agrupación de rock alternativo originada en el 2016, de momento la banda ha sido influenciada por ritmos pop, country y funk, los cuales hacen de todo esto una propuesta lo suficientemente tentadora e interesante para llenar las expectativas de todo aquel quien quiera disfrutar música, entre estos covers anglo y en español, como también canciones de autoría y mucho más.

Al pasar de los años Sinefecto se ha desarrollado en los distintos campos y escenarios culturales que la región ha podido brindar, como también en la mayoría de establecimientos dedicados al entretenimiento público, de acá Sinefecto a la fecha se ha convertido en una agrupación de renombre por su organización y calidad en cada show.

 

Integrantes:

Ruben Jimenez (Bajo y director)

Diani Marlés (Cantante)

Sebastián Triviño (Batería)

Helguin Nieto (Guitarra y coros)

Andrés Lara (Teclista sesión)

 

NOKRONO

Fotografía suministrada por la banda

Agrupación opita creada en octubre de 2019 en pleno caos del COVID-19. Sus temas se ubican en el rock alternativo, género a través del cual la banda expresa sentimientos y realidades, viajando a las profundidades de la condición humana y su relación con la naturaleza, el tiempo y el cosmos, lo real, lo onírico, lo mágico y lo terrible de estar vivos. En su trayectoria cuentan con importantes temas: Behind the scenes, If you really wanna, Chasing life. Dungeon of mind. I crashed my car for you. I’m ok y Ropes’n necks

 

Integrantes:

Leandro Argotte (Vocalista)

Oscar Patio (baterista)

Anderson Molano (guitarrista)

Oscar Escandón (guitarrista)

Sebastián (guitarra bajo)

 

Breska

Imagen tomada de internet

Banda de Ska combativo formada en Bogotá – Colombia. Su trayectoria por la música se extiende por más de una década. Una de sus participaciones más importantes en la escena rockera de Colombia fue su presentación en la edición número 21 del Festival Rock al Parque en 2015.

 

Consulado Popular

Fotografía tomada de Shock.co

Banda bogotana creada en 2012, su música es una serie de fusiones de vallenato, cumbia norteña, guaracha, hard rock, funk, grunge y punk. Han recibido reconocimiento por tener su propia tarima móvil llamada el Circo del Cónsul. Entre los temas más conocidos y masivos se encuentran: Me mamé, Vas a caer y Perdedor. En sus 10 años de trayectoria han participado en Festivales como Stereo Pinic y Rock al Parque.

 

Integrantes:

Julián Mejía (vocalista y guacharaquero)

Camilo Rivera (acordeonista, cajero, guitarrista y, a veces, de guacharaquero)

Camilo Cruz (guitarra, bajo o el cencerro)

José castillo (batería y los timbales)

Jaime Rubio (bajo)

Mauricio Cruz (trompeta y las congas)

30 diciembre, 2021

La escena musical alternativa en el Huila cada vez se vuelve más productiva y llamativa a través de propuestas y sonidos que recogen no solo los gustos de sus propios músicos, sino la esencia cultural de la tierra que los vio nacer y que, sin ningún tipo de prejuicio, dejan aflorar en sus letras e identidad sonora.

Por: Juan Perdomo
Ilustrador, músico y melómano aficionado
@juanperdomoilustra

 

Como este es un ejercicio compilatorio personal que vengo haciendo en los últimos años desde mis redes sociales y que, por supuesto se ve influenciado por mis gustos, advierto que estas canciones y artistas son apenas una porción de lo que hay en el departamento y que seguramente, habrán existido muchas razones para no haber escuchado en su momento otras novedades musicales locales durante este 2021 que ya se nos fue.

Tunando ¡Ay Juelapo! – Alex Pastrana

Un mezcla fascinante e inesperada de la rajaleña y el jazz, un tema que en realidad se divide en cuatro partes; donde después de una atmosfera sonora bastante misteriosa, nos encontramos con el magistral piano de Alex y con la voz del inconfundible referente de la rajaleña Gustavo Cordoba “Hijuelapo” quien se despacha con una especie de manifiesto cultural, para rematar en el final con unas clásicas coplas ya acompañado de la tradicional cucamba completa.


 

París Neiva – Pechan Project

Luego del parate con Binarius Buxus, Juan Guillermo Soto retorno a la escena musical de la ciudad reuniendo un “Dream team” de músicos opitas para darle luz a su disco Lucia, del cual se desprende Paris Neiva, que entre otras cosas resulta difícil a la hora de ubicarla en un género, pero eso es lo de menos, pues es tan rica en sonidos que basta darle play para encontrar unos arreglos bellísimos en las guitarras eléctricas que armonizan al instante con coros de lujo y una letra que evidentemente nos conduce a lugares y realidades comunes de una agitada vida nocturna en Neiva.

 

Sr. Mohán – Sr. Mohán

Ver al Sr. Mohán siempre es una fiesta, los puede ver en vivo en un par de oportunidades en este 2021 y cuando vi su novedad musical en YouTube, me hizo mucha ilusión, pues desde la puesta escénica y narrativa del nuevo video se nota como cada vez logran una mezcla ecléctica que los hace únicos y diferentes a las demás bandas de Ska. Con una onda muy funk que luego se camufla con una percusión de sanjuanero, logran en este tema hacerle un gran homenaje a la leyenda del Mohán y a la esencia cultural y ambiental del personaje.


 

Señor sol – Felipe Dussán

Pese a que esta joya de canción no apareció en “Trampas” el EP con el que Felipe Cerró el 2020, meses después fue lanzada en Youtube junto a “Color rubio” en una sesión acústica especial que encantó. Señor sol es una canción sentida, con una guitarra profunda y orgánica que acompaña toda una poética que el cantautor va deshilando para ofrecerle al oyente una bocanada de su vida.


 

Solo una vez – Sinefecto

Con la potencia del pop rock “Solo una vez” se abre paso en plataformas digitales como el último lanzamiento de la banda Sinefecto. Esta balada que se gesta entre desamores y anhelos, lo pone a mover el pie de una entre su atmosfera guitarrera y la potente voz de Diani Marlés que con su presencia escénica logra pilotear muy bien el liderazgo vocal de la banda.


 

La carta – Promisión

Promisión si duda es una de las bandas más activas dentro de la escena local, su proyección nacional se ha evidenciado luego de sus colaboraciones con Jacobo Vélez de la Mambanegra y el rapero Alexis Play por ejemplo. La carta es su más reciente lanzamiento, donde Martín se comparte a dúo una bellísima canción entre tiples y guitarras con Mónica Castillo de la Mojarra Eléctrica, una de las bandas referentes en la escena nacional de la música colombiana alternativa.


 

11:33 – Galactic Primates

Con mucha alma indie y con sonidos electrónicos delirantes provenientes de una gran alineación de músicos locales, los Galactic ganan cada vez más audiencia en Neiva y el Huila toque tras toque. Su material inédito más importante hasta ahora se refleja en el EP titulado Primitive 33, del que surge un viaje sónico repleto de matices titulado 11:33.


 

Por todo el universo – Lamat

Luisa Fernanda Sepúlveda más conocida como Lamat en el mundo de la música, regresó al Huila hace cinco años y desde entonces se ha reencontrado con sus raíces. Lamat tiene más de veinte años en la industria de la música y ha recorrido muchos lugares con su guitarra y sus letras. Por todo el universo es de esas canciones con melodías pop muy “Tranquis” que uno siempre quisiera escuchar en un amanecer mientras se contempla un bello paisaje y se bebe un buen café de la tierrita.

2 diciembre, 2021

Decir chao al cantautor de música social Carlos Lugo, será posible el próximo 8 de diciembre en el concierto de despedida en el remodelado Teatro Pigoanza de Neiva. Con la presentación de su repertorio musical completo el artista cerrará dos décadas de protesta y melodías.

Durante el desarrollo del evento cultural que arrancará a las 7:30 p.m. del miércoles 8 de diciembre, se grabarán cápsulas de videos con los comentarios de los y las asistentes al concierto, para el documental “Latinoamérica Viva: Carlos Lugo y la historia de la música social en el Huila”.

 

El artista

Carlos Lugo, es uno de los principales cantautores de música social o protesta en las últimas dos décadas en Colombia, sus letras de contenido social han acompañado todas las manifestaciones del pueblo colombiano, entre lo que se encuentran: estudiantes, campesinos, sindicatos, madres comunitarias, afros. Con una experiencia de más de 23 años como cantautor, ha pisado gran variedad de escenarios e orden nacional e internacional en solitario o compartiendo con artistas e la talla de Totó la Monposina, el Cholo Valderrama, Martha Gómez, La orquesta Filarmónica de Bogotá, Jaime Valencia, Pablus Gallinazo, Pasajeros, Intifada, Desadaptados, Polikarpa y su Viciosas,  María Vanedi, Andrés Correa, Jorge Velosa, Carlos Varela, Rubén Blades y Daniel Viglietti, entre otros reconocidos artistas de la escena musical latinoamericana. Todo esto en escenarios como el teatro Colón de Bogotá, teatro municipal Jorge Eliécer Gaitán, parque Simón Bolívar, plaza de Bolívar (Bogotá), Universidad de la República (Uruguay), Universidad Central (Ecuador) y Universidades públicas y privadas en todo el país.

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La despedida

El concierto titulado “Chao”, es un concierto antológico, que recopila los principales temas sociales de Carlos Lugo  y una excusa para despedirse, en lo que se espera, sea un reencuentro generacional alrededor de la música que estuvo presente durante 28 años en los escenarios locales como Casateatro, Casatheus, Usco, espacios nacionales como teatro Colón, teatro Jorge Eliécer Gaitán, parque Simón Bolívar, entre otros; e internacionales como la Universidad de la República en Uruguay y la Universidad Central en Ecuador.

Carlos Lugo se encuentra entre las principales voces de la canción social en Colombia, que presentó sus composiciones como un cantautor clásico, al estilo de Pablus Gallinazo, con quién compartió escenario en 1993 en Casatheus, en octubre de 1993, y el 6 de noviembre daría su primer concierto como cantautor en la misma sala cultural.

La invitación es para todas las personas que encuentran en la canción mensaje, en la música de contenido un oasis en medio de la vida diaria. Es un concierto sobre la paz y los sueños de muchos colombianos.

El teatro Pigoanza abre sus puertas este 08 de diciembre a partir de las 07: 30 p. m. para despedir al compositor que marcó dos décadas de marchas y gesta social, que retrató historias y sueños en medio de banderas, abrazos y alegrías.

Imperdible la despedida del artista social más importante de las últimas décadas en el Surcolombiano. Adquiere la boletería en la taquilla del Teatro Pigoanza el día del evento o en los puntos de venta autorizados:

  • Bull dogs, Rockshop Tatto – Carrera 1 # 28-07 Barrio Santa Inés (Neiva)
  • La Madriguera Casa Cultura – Calle 23 #5A-85 Barrio Sevilla (Neiva)
  • Corporación Alarte 
  • Casa Lambretta (Ibagué)

Reservas

3153542686 – letrabrava@gmail.com 

 

1 diciembre, 2021

La señal ha sido lanzada y Neiva Hell dará nuevamente una buena fiesta. Al son del ritmo rapidito, desgarrado y extremo del punk y el metal, el Speed Punk Hardcore Fest convoca a los rockeros a su sexta edición en el sur del país el sábado 11 de diciembre. Un Festival contracultural autogestionado que invita a cuestionarlo todo y empoderar el ser joven.

 

Por: Serafin Marquin

@Serafiniano

Primero fue el parche, los temas en el bar, las melodías en la cabeza, la energía intensa del baile al son del punk con sus altas cargas de realidad. Entonces nació el Speed Punk Hardcore, una dosis más fuerte del género en una ciudad con ADN ´reguetonero´ y ´vallenatero´, y con un alma underground ansiosa de metal. Pero sobre todo se configuró un sueño divergente de un grupo de amigos comprometidos con la contracultura.

“El Festival nace por la necesidad de buscar espacios alternativos de música extrema, música underground, independiente que poco se veían en Neiva. En la ciudad eran comunes los toques o espacios para el metal, pero no había un escenario ideal dedicado al punk, hardcore, speed; y los gustos de cada uno de nosotros nos encaminó a que teníamos que abrir un escenario para mostrar el punk rock colombiano desde el sur”, explica David Farfán, organizador del Festival junto a Juan Oliveros, Felipe Vargas, Sergio Charry y Gustavo Llanos (Satuple Ilegal).

 

Abriendo la trocha

Con K-93, agrupación de punk rtriock formada en el año de 1995, como cabeza de cartel, inyectaron la primera dosis del Festival a la capital del Río Magdalena en 2015. Los amigos de los amigos los acompañaron y las perdidas llegaron con el guayabo, pero la cresta no se les cayó.

Se atrevieron nuevamente un año después anunciando un puñado de talentosas bandas locales en compañía de la ya clásica Triple X, punk rock y letras sucias desde los años 90. La descarga estuvo plena. Así lo recuerda David: “Ya en la segunda edición nos dimos cuenta de los errores que habíamos cometido e intentamos superarlos, traemos esta banda de renombre a nivel nacional en el punk. Esa versión la hicimos en Banquetes Castillo (Neiva) con un poco más de organización. Igualmente vinieron nuevamente perdidas, pero aquí lo que nos mueve es el gusto personal de cada uno y el compromiso con la escena en el sur del país”.

Y como nada es fácil en Colombia y más para los jóvenes, y lo impensable es rendirse, en 2017 montaron la nueva fecha con G.P. a la cabeza, más de 20 años de letras de carácter crítico y social. “Fue un buen concierto, es una agrupación coherente con sus letras y acciones. Ahí ya pensamos que nos podríamos nivelar”.

Para la cuarta edición la dosis de Metal llegó por primera vez al cartel con Witchtrap, banda de Medellín con más de dos décadas de labores en la old school thrash metal del país, que junto a Desarme (Bogotá) y agrupaciones regionales, dinamizaron la mezcla entre punk y metal en el Speed. “Lo hicimos en Leñaseca, donde antes quedaba Teledata, atrás de la Terminal de Neiva, y nos fuimos 100% de perdidas, pagamos todo y nos sobraron 20 mil pesos y a las 4 de la mañana nos fuimos a Peter Pan y nos comimos cada uno un aborrajado. Pero bueno, fue una gran fiesta, la gente disfrutó, entonces estuvo bien”, dice Farfán en tono jocoso, dejando claro el amor del parche por el rock and roll.

Con un antecedente de más de 300 asistentes y la presencia por primera vez de Neurosis, una de las bandas de metal más influyentes en el género, y Bestiario, “folk punk bogotano para ebrios medievales”, como la ha llamado Vice, la rompieron nuevamente en 2019; pusieron en el sur dos géneros musicales extremos en una misma tarima, y el aforo fue de 450 personas.

“Para esta sexta edición el cartel no es menor al de las ediciones pasadas. Como cabeza de cartel tenemos a Kilcrops, en su gira de 25 años, Darkness y Perpetual warfare, y por el lado del punk a Lupus, una banda emergente de punk enfermizo, como se hacen llamar, y la cuota sureña de punk rock: Utópica, Apocalipsur, Gamín, entre otras”, anuncia la organización del evento. En total 14 agrupaciones estarán en la tarima del festival gracias a la autogestión de los organizadores y el apoyo de Pull the plug, Lunatica Tatto, Rapi brosted, Chaplin Bar, Night Train y Bater Colombia.

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Un proyecto 100% autogestionado

La crítica social frente a las políticas que históricamente han guiado el desarrollo del país, el pronunciamiento álgido frente a violaciones de derechos humanos y uso desmedido de aparatos estatales como la fuerza pública, configuran el discurso, las letras y puestas en escena del rock and roll, siendo el punk y el metal los géneros que con mayor contundencia apropiando y frentean desde los escenarios y procesos.

El manto más visible que invisible de la corrupción y la clientela a peso denunciada día a día en la democracia colombiana, hacen que pensarse Festivales como el Speed Punk Hardcore parta de concebir la autogestión como baluarte.

“Esto es un proyecto 100% autogestionado, no tiene nada que ver con Alcaldía, Gobernación, MinCultura. Nos han tocado las puertas, llamado y en elecciones nos buscan ofreciendo dinero para financiar el espacio, pero no queremos que se involucre ningún estamento en el Festival, precisamente por la desacreditación que tienen”, asevera Farfán.

Entonces, ¿qué mueve el Speed? A través de actividades como venta de hamburguesas, rifas, y el apoyo de los patrocinadores, el Festival ve la luz cada año (con excepción del 2020 a raíz de la pandemia del Covid-19) pregonando el sentir del rockero huilense.

“Nosotros siempre tratamos de que más allá de la descarga musical quede un precedente de lo que es ideológicamente el punk: el punk es más que pararse una cresta y fumar bareta en todo lado, el punk va más allá de ese estereotipo que nos quieren imponer. Por eso montamos un conversatorio alrededor de un tema donde las bandas participen. El primer ejercicio fue con Desarme (Bogotá), el tema fue: ´la participación del joven en la política y la construcción local como ciudad’. Otro conversatorio que se hizo fue con Bestiario, tuvo como tema: ´la creación artística regional frente a lo alternativo´, porque siempre es visible el reguetón, el vallenato, pero el artista underground poco es reconocido en la ciudad de Neiva. A través de este escenario también pretendemos mostrar que el punk y el metal colombiano no solamente son las bandas grandes, hay muchas bandas con buen trabajo y producción”, reflexiona David Farfán.

En su sexta edición el Speed Punk Hardcore Fest abrió una convocatoria en la que dio prioridad a las bandas locales, la mitad del cartel es talento de la región surcolombiana, bandas como Utópica (Tarqui-Huila), Vex (Florencia – Caquetá), Gamín (Neiva-Huila), Apocalipsur (Neiva-Huila) estarán en tarima.

Cabe resaltar que en las versiones que lleva el Festival, han tocado proyectos musicales de Medellín, Boyacá, Cali, Ibagué, Pereira, Bogotá, Caquetá. A la fecha el Speed ha construido una trayectoria y visibilidad ante organizaciones como Metal Colombia, Hardcore Colombia y Bater Colombia. Un proceso que empezó muy pequeño, pero ya tiene un renombre a nivel nacional.

 

“La invitación es a que lleguen a pasar un buen Festival”

 

Sobre la situación con Peste Mutantex

“Tuvimos un inconveniente con ellos, los contactamos desde septiembre y se llegó un acuerdo. Inicialmente el Speed iba a ser el 4 de diciembre, pero por las elecciones a los Consejos de Juventud lo corrimos: pensamos que habrá Ley Seca, además, es pertinente que el joven participe de esos comicios que son importantes para generar una dinámica política en la juventud huilense.

Lo pusimos el 11 de diciembre, la banda no tuvo problema, pero hace como 20 días el Altavoz los invitó a tocar en la misma fecha, luego de 6 años de haberlos vetado por el discurso contracultural. Los llaman y les ofrecen un poco más de dinero. Nos piden correr el Festival para el domingo 12 o un fin de semana después, pero ya hay publicidad, boletería y cambiarlo implica mover 14 bandas más, muy complicado, no pudimos llegar a un acuerdo. Y bueno, les deseamos lo mejor a Mutantex y esperamos poder tenerlos en nuestra casa en una próxima ocasión”, ha comunicado David Farfán, como vocero de la organización.

 

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5 octubre, 2021

Por: W. And. Sánchez Medina* 

 

Lucía de Siracusa fue asesinada cuando el cristianismo todavía era un delito.  Se negó a abjurar de su fe, entonces los romanos politeístas la violaron antes de torturarla con líquido hirviente y atravesarla con la espada. Luego de haber llegado a los cielos, y tras algunos siglos de leyendas medievales que tejieron la historia de los ojos que ella ofrece en un plato, Santa Lucía fue proclamada la patrona de los que pierden la vista.

Juan Guillermo Soto sufrió una ceguera transitoria hace varios años. En el hospital, mientras se estudiaba la repentina inflamación de sus dos nervios ópticos y él lidiaba contra el miedo a dejar de ver para siempre, estiró la mano para recuperar la guitarra acústica y darle un sentido -unas notas- al martirio. Luego de haber fundado Arkanot, haber participado en Yijajay (la banda de nuestro Cohen neivano) y ser la mitad de ese dueto de math-rock electrónico inesperado que se llamó y se llamará Binarius Buxus, se dio cuenta que la muerte era una posibilidad y empezó a concebir su primer álbum como músico solista.

Ahora Lucía es un EP que ve la luz gracias a la oscuridad en la que se gestó.

 

Contraportada Álbum

 

Juan Guillermo quiso una orquesta sinfónica, y antes de la pandemia empezó la consolidación de Pechan Project, la banda de músicos locales que grabó las seis canciones de Lucía.

París Neiva, irreprochable sencillo publicado por primera vez hace unos meses, abre el álbum. Vanesa Castro le da el vigor vocal que un himno como este requiere, el Flaco Dussán lo arremansa justo cuando se necesita y los coros y el trabajo de guitarras, una constante a lo largo de casi todo el álbum, apuran la imaginación para creerle a esta cinematografía (o fantasía) que enmarca la película que es amar en Neiva. Canción del verano… el verano perpetuo que es esta ciudad. Luego de tal intensidad, Terrorismo and Dreams aquieta las aguas con un aliento a cool jazz. La ausencia de estribillo es colmada por las trompetas que se van desplegando en tono marcial para imponerse definitivamente sobre el ataque frustrado a los puentes y bancos que pregona la letra. Lucía, la canción, es la plegaria blasfema y mestiza a Santa Lucía de Siracusa: que de ella salga el jaguar que es la visión para el ciego. Ecos del pop barroco de los sesenta en ese juego de voces que se plantea con la reconocida Marla Hernández, armonías de filigrana y hasta la imagen del clavicémbalo, aunque sólo sea el efecto de los pedales. A estas alturas irrumpen las insinuaciones de Cajita Musical. Tal vez sea la supresión de la exuberancia vocal a la que acostumbra el álbum o el secreto que con metonimias balbuceadas Juan Guillermo quiere insinuar, pero que no cala del todo, lo que la haga sonar como el punto más débil. Sólo él la puede cantar, así la escribió, asume el riesgo y lo multiplica al hacerlo con desnudez, luego se cubre con guitarras a lo George Harrison.

Punto aparte.

En el parlache inglés de la melomanía existe el término “grower”. A grower song es una canción que crece en el oído del oyente cada vez que se acerca a ella. Humano Chamán germina con la escucha repetida, alcanza estatura y luego uno se encarama hasta allá para contemplar todo el jardín que en los versos proclama y en las sensaciones siembra. Hay un ritmo que se asoma como deja-vu o nostalgia (el del bambuco), hay una tersura que hechiza en la boca de Sara Espitia, hay dolor surcado, hay sangre en tu frente y en la piedra, hay una solidez de banda, hay resonancia posterior.

El álbum termina con Humano Chamán. O no.

El álbum debería terminar con Qué Es Mirar.

 

Portada EP Lucía

 

El único reproche que se le puede lanzar es que se ubique tan adelante, justo después de París Neiva, y desequilibre el álbum poniendo tanto peso al principio. No es ni será raro el fenómeno de sentirse encandilado luego de estas dos canciones y parecer insensible a las cuatro siguientes, porque Qué Es Mirar es el monstruo de Lucía. Se transforma el ritmo una y otra vez como si estuviera tornasolada y tuviera millares de matices, los coros se comportan como un corifeo que no habla, la trompeta de Gustavo Martínez le da el brillo de la épica, todo el andamiaje se sostiene en la batería (Gustavo Hueje) y el bajo (Orlando Laguna) y son más fuertes que Atlas, etcétera. Hasta incluye unos segmentos inspirados en el mejor drone-rock (escúchese a Swans). Más allá del aparente ejercicio de escritura automática, Qué Es Mirar es la evocación más directa de la ceguera que Juan Guillermo sufrió. A punta de sinestesias nos revela que con la lengua, los oídos y los receptores táctiles descubrió todo lo que no había visto con sus ojos. Y eso mantuvo su vida en la caverna.

Sobra decir que la primera obra de Pechan Project es prolija, auténtica y no-hay-nada-parecido-en-la-escena. Falta decir que en un medio conforme con las fórmulas y la tradición de reinterpretar y crear lo mismo de ahora para no pisar en falso, Lucía es un elogio a la dificultad. Para los límites porosos del rock colombiano fugado del canon metal/punk, y que suele moverse entre la apropiación folclórica, la síntesis de lo anglosajón o el indie latino, este EP reclama la trompeta, los coros expansivos, la mutación de la guitarra eléctrica, el espíritu orquestal.  

Y eso es más que poco.

Coda: ¿Por qué Qué Es Mirar debería ser la última canción? Porque es el epítome a nivel de significado y música, y porque esas congas que se van desvaneciendo al final merecen ser lo último que se escuche de Lucía, casi como ese piano en acorde sostenido de A Day in the Life.   

 

*Oyente. También es psiquiatra. De Cándido Leguízamo.

Imagen principal: portada del sencillo Qué es Mirar

 

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